Exposición nº 6
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
fotos hechas por Lan Wang
Museo Reina Sofía
Dependiente del Ministerio de Cultura, es un organismo autónomo cuyo objetivo es promover conocimiento, acceso y formación del público en relación con el arte y favorecer la comunicación social de ésta.
Fue creado en 1988 como centro de exposiciones temporales, en 1992 se inauguró la colección permanente, constituyéndose así como un auténtico museo. En 2005 se inauguró la Ampliación que responde a sus necesidades y funciones, gracias a las nuevas tecnologías.
La colección del museo cuenta con casi mil obras, de distintos tiempos y lugares, abarcando desde finales del s.XIX hasta la actualidad, relacionando el contexto español con el internacional y así manifestando las complejidades de las relaciones entre lo local y lo universal.
En cuanto a las exposiciones, ofrece un amplio y variado programa, de producción propia o en colaboración con otras instituciones.
Tanto el Edificio Sabatini como el Nouvel son muy bonitos en sus propias formas, tanto dentro como fuera. Sabatini es más moderno mientras que Nouvel es más contemporáneo, de la actualidad.
La primera tiene un patio dentro, un jardín que incluye monumentos de grandes artistas como Eduardo Chillida, que trabaja con el acero corten. Nouvel, por otro lado, ofrece unas vistas maravillosas de las calles de Madrid.
Sara Ramo, lindalocaviejabruja
Residente en São Paulo, Brasil, es una de las artistas de su generación con mayor proyección internacional. Sus trabajos se presentaron en numerosas citas artísticas, entre ellos las bienales de Venecia y São Paulo.
Presenta este proyecto articulado a través de distintos formatos: vídeo, instalación, escultura y collage. Se apropia de los elementos, escenas y espacios de la vida cotidiana y los reconfigura extrayéndolos de su contexto e integrándolos en sus trabajos. Investiga el momento en que estos objetos dejan de tener sentido en la vida de la gente y se generan situaciones de alteración y pérdida de lo natural.
Cabezas de pintalabios
Esta obra ocupa el Espacio 1 (donde está la sala de la proyección del vídeo) y la Sala de Protocolo. Alude a ámbitos domésticos, cotidianos, autobiográficos y de teatro popular, así como a elementos desconcertantes y absurdos que adoptan formas inesperadas y abiertas a relacionarse con objetos y ambientes conocidos.
Jörg Immendorff, La tarea del pintor
Esta exposición abarca más de 4 décadas de trayectoria del autor, presentando sus etapas y transformaciones.
A finales de los 60 se produce un cambio de orientación en su planteamiento como activista político, profesor y artista. En 1978 comenzó a trabajar en una serie donde los rasgos y colores característicos de su pintura adquieren mayor expresividad al tiempo que se libera de los emblemas ideológicos. Sigue produciendo arte político, pero alejado de los acontecimientos del momento.
Este giro, basado en concentración de forma y contenido, evolucionó hasta su última etapa, adquiriendo una renovada energía pictórica y mayor luminosidad.
En lugar de seguir una cronología, esta muestra de unas 100 obras de diversas técnicas y medios se organiza en capítulos temáticos cuyo hilo es la evolución y los procesos de cambio en el arte del autor.
Miguel Ángel Campano, D'après
A través de más de 100 obras hechas a partir de 1972 esta exposición sugiere un recorrido al trabajo de Campano. Es la última en la que participó directamente, fue articulando ciclos sucesivos, de manera que al contar su obra se requiera un "y después", un après.
El de Campano fue un enfoque referencial: al pintar las pinturas del pasado, pintaba d'après Delacroix o Poussin. Entonces sus lienzos d'après no son un "según" sino un "a partir de". Así también despegan sus trabajos del natural -d'après nature-. En ese d'après quehacer del autor, el "según" solo cabe para su pintura, y esta exposición se resume como un muestrario de pintura según el artista, museo de cuadros d'après Campano.
Las salas acogen primero pinturas hechas en los 60, mayoritariamente abstracción geométrica. En los 80 adoptó el gran formato en series como Vocales, con referencias a la literatura dentro de una gestualidad. En esa serie desarrolla en abstracción qué imagen pueda tener el color evocado por un sonido vocal. Se interesó por la tradición pictórica.
En los 90 su obra sufrió un despojamiento: se cortan referencias a la tradición, el blanco y negro sustituye al color. La geometría es grave y rotunda, después aparecen formas orgánicas y fértiles. La fantasía de profusión y el reconocimieno de otros medios en los que pueda servir la pintura dan Elías, obra con aún muy pocos monocromos.
Retomó el color en los 2000. A veces trabajara sobre tejido indio, comenzando un interés por la retícula. El color intenso expresionista aparece también.
Musas insumisas, Delphine Seyrig y los colectivos de vídeo feminista en Francia en los 70 y 80
Delphine Seyrig es conocida por los papeles que hizo en el cine francés de autor, figurando como símbolo de feminidad idealizada y sofisticada. Pero "actuar" no fue solo una profesión para ella: durante los 70 se convirtió en una activista que trabajó con el movimiento feminista. Colaboró con otras mujeres cineastas explorando otros papeles femeninos y deshizo su imagen de diva. A mediados de los 70 del s.XX produjo una serie de vídeos con el título de Les Insoumuses. Se convirtieron en una herramienta emancipadora y agente de activismo político. Estableció también un archivo audiovisual sin precedentes sobre las luchas que estaban teniendo.
Esta exposición explora la relación entre el cine, el vídeo y el feminismo en Francia. Propone reconsiderar esta historia con medios audiovisuales que dialogan en secciones que muestran las preocupaciones políticas que supuso el movimiento feminista en ese momento y que resuenan aún en la actualidad. Las incómodas posiciones de Seyrig entre lo estético, el trabajo y el activismo son marcadas por un continuum entre la actriz y la activista que recuerda al eslogan feminista de los 70 "lo personal en político".
Poéticas de la democracia, Imágenes y contraimágenes de la Transición
Tiene el objetivo de reivindicar las manifestaciones artísticas excluidas del discurso institucional de la historia del arte español de los 70. Esta diferencia de perspectiva se tradujo en nuevas narraciones y patrimonialización que con la recuperación de lo político permiten que los artistas participen en comunidad y lleven su obra más lejos que la objetualidad.
Con esto el museo da visibilidad a la investigación que se ha llevado a cabo durante una década rememorando una etapa en el que surge una una estética vinculada a prácticas culturales innovadoras que buscan subvertir el franquismo y las instituciones que tratan de heredarlo.
El relato de la exposición se inicia con la Bienal de Venecia de 1976, que encierra un discurso cerrado y representativo del arte antifranquista del momento.
Esto es todo en cuanto a las exposiciones temporales que había en el museo. Ya que estaba allí he aprovechado para dar un paseo rápido por todo el edificio y pasar por todas las salas de exposición que había en el momento, visitando también las colecciones permanentes que había, algo que agradecí haber hecho ya que pude admirar cuadros muy famosos como el Guernica de Picasso o alguna que otra de Dalí, como El Gran Masturbador, y Miró, entre muchos otros.
Colección 1. La irrupción del s.XX: utopías y conflictos (1900-1945)
Esta colección comienza a finales del s.XIX planteando conflictos entre el progreso y sus descontentos, siendo una ideología en impugnación. La vanguardia se convierte en síntoma del s.XX.
Mientras que el Cubismo define la moderna mirada, el Dadaísmo y el Surrealismo liberan de la represión, dando vía libre al deseo y subconsciente. Como respuesta a las vanguardias, en los años 20 y 30 se producen retornos que supusieron una relectura de los géneros tradicionales. En los 30 la vanguardia integra experimentación y construcción, individuo y colectividad, constituyéndose en una forma poética de reescribir el presente. Ante la amenaza del fascismo se crea la vinculación de vanguardia y política, culminada en el Guernica de Picasso.
Colección 2. ¿La guerra ha terminado? Arte en un mundo dividido (1945-1968)
Esta colección recorre las transformaciones artísticas durante la posguerra.
Tras el revés que supusieron el Holocausto y la 2ª Guerra Mundial para las vanguardias, la modernidad se aísla para explicar el mundo.
Colección 3. De la revuelta a la posmodernidad (1962-1982)
De los 60 a los 80 tienen lugar cambios que configuran la situación global contemporánea. Este es el momento en el que el arte ve desbordado su campo para entrar en esos procesos. Bajo el emblema de la "muerte del autor" el artista repudia la paternidad de la obra que produce, se define como lugar de reflexión y enunciación y también como fetiche, mercancía y espectáculo. Este recorrido parte de la Batalla de Argel y de la Revolución Cubana.
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